Interview exclusive de Whitney Galitz, costume designer de Esprits Criminels : Evolution et Agents of S.H.I.E.L.D., qui nous dévoile son métier.
Dans l’univers de la télévision et du cinéma, où chaque détail compte pour donner vie à un personnage, le rôle du costume designer est souvent discret mais essentiel. Whitney Galitz en est l’une des figures les plus talentueuses. Avec plus de vingt ans de carrière, elle a travaillé sur des productions aussi variées que Esprits Criminels : Evolution, Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D., Dexter ou encore The Harder They Fall. Formée au costume design pour le théâtre à l’Université de Californie à Santa Barbara, Whitney a su transposer son sens aigu du détail et sa connaissance des tissus et des silhouettes à l’écran, créant des univers visuels cohérents et des personnages profondément incarnés.
Dans cette interview, elle nous ouvre les coulisses de son métier, partage son processus créatif et raconte comment un simple vêtement peut révéler une personnalité, influencer une performance et contribuer à l’histoire d’une série ou d’un film. De ses premiers pas au théâtre à ses projets Marvel ou au BAU de Criminal Minds, Whitney nous parle de l’art du vêtement et de son rôle dans la narration.
Bonjour Whitney, tout d’abord merci à toi de m’accorder cette interview. Tu as travaillé sur des séries comme Criminal Minds: Evolution, Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D., Dexter ou encore The Last Ship. Si tu devais revenir au tout début, qu’est-ce qui t’a donné envie de te consacrer au costume design ?
Whitney : J’ai toujours été intéressée par l’art depuis mon enfance. J’ai suivi des cours dans presque toutes les formes d’art en atelier et j’ai fait une spécialisation dans ce domaine à l’université. Là-bas, une amie m’a parlé d’un cours de rendu de costumes au département théâtre voisin et j’ai décidé de le suivre.
À l’époque, les rendus de costumes ou illustrations étaient faits à l’aquarelle et à la gouache, il n’y avait pas encore de numérique ! Bref, après avoir suivi ce cours et appris davantage sur le processus de conception de costumes pour le théâtre, j’ai été complètement séduite. J’ai fini par en faire une spécialisation secondaire et j’ai commencé à concevoir des pièces de théâtre et des spectacles de danse dès ma dernière année.
Ton parcours commence par une formation en costume design pour le théâtre à l’Université de Californie à Santa Barbara. Qu’est-ce que cette expérience t’a apporté pour aborder ensuite le cinéma et la télévision, avec des rythmes et des contraintes très différents ?
Whitney : Je pense que cela m’a rendue plus forte en tant que designer pour le cinéma et la télévision. Au théâtre, il faut avoir une très large base de connaissances sur les tissus, leur interaction avec le corps, l’éclairage et leur effet sur la couleur et la texture du tissu. J’ai dû me former dans tous les aspects de la confection des vêtements, la teinture, le vieillissement, etc. Lorsque j’ai commencé dans la télévision et le cinéma, j’avais déjà une solide formation dans tous ces domaines, ce qui m’a permis de les transposer à l’écran.
Whitney a appliqué ces compétences sur Agents of S.H.I.E.L.D., saison 7, où elle a recréé des costumes des années 1930 de manière extrêmement précise, y compris les sous-vêtements et accessoires, pour que les acteurs aient une expérience authentique sur scène et à l’écran.
Dans une production, plusieurs métiers gravitent autour des costumes : styliste, wardrobe supervisor, Costume Designer… Comment se distinguent ces rôles et comment collabores-tu avec les autres membres du département ?
Whitney : Le rôle du designer de costumes est celui de responsable du département des costumes et de création de l’apparence du spectacle. Ensuite, dans la hiérarchie, il y a le superviseur des costumes, qui a un rôle important dans la gestion du travail, la supervision des tâches administratives, le travail direct avec la production et le designer de costumes sur le budget, ainsi que l’aide au designer pour décortiquer le script et établir le planning. Le superviseur est vraiment essentiel pour permettre au designer de se concentrer sur les aspects visuels du rôle.
Le terme « styliste » est généralement utilisé davantage dans le domaine de la mode, de la publicité imprimée, et pour la production de télévision en direct, dans des situations où le développement des personnages ne joue pas un rôle important dans la production.
Sur des productions télévisuelles comme Game of Thrones, les wardrobe supervisors gèrent l’inventaire de plusieurs milliers de pièces et supervisent l’alignement des costumes sur les scènes, permettant au costume designer de se concentrer sur la vision artistique.
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Avant de devenir Costume Designer, tu as travaillé comme Key Costumer sur des séries comme Dexter ou The Last Ship. Comment ce rôle t’a-t-il préparée à prendre en charge la création complète des costumes d’une production ? Quelles responsabilités étaient les tiennes à ce moment-là ?
Whitney : En tant que Key Costumer sur Dexter, ma responsabilité était de gérer les costumes venant du designer de costumes et d’être un lien entre le plateau et l’équipe de conception dans le bureau. J’étais proche des acteurs sur le plateau, donc s’ils avaient des questions ou des problèmes liés aux costumes, je pouvais aider directement ou les transmettre au CD (Designer de Costumes).
Le Key Costumer est un rôle de soutien important pour le CD et l’ACD (Assistant Costume Designer). Sur The Last Ship, j’ai fini par occuper le rôle d’ACD, qui est un rôle de bras droit du CD, en quelque sorte. L’ACD est un rôle préparatoire direct pour devenir CD, et c’est souvent ce que l’on fait avant de passer au rôle de CD. L’ACD gère souvent une grande variété de tâches, y compris la gestion de l’équipe, l’organisation des essayages, l’aide à la recherche, et l’assistance lors des réunions, donc c’est un excellent moyen d’apprendre à être CD avant de prendre ce rôle.
Sur Dexter [saison 1 et 2], tu étais au plus près des acteurs et de leurs costumes. La fameuse tenue kaki/verte que Dexter porte dans la kill room est devenue emblématique : sobre, pratique, presque militaire, elle reflète parfaitement son côté méthodique et clinique. As-tu participé à l’élaboration de cette tenue ? Et peux-tu nous raconter comment le choix de ces vêtements a contribué à révéler le personnage de Michael C. Hall ?
Whitney : Je n’ai pas eu de contribution en matière de design pour ce costume, mais je me souviens que son évolution a été une collaboration entre le designer de costumes et Michael. Beaucoup de ces décisions liées au personnage se font lors des essayages et aussi sur le plateau, parfois au fil du temps, lorsque l’acteur essaie différentes choses pour son personnage.
Quand tu reçois un scénario, quelle est ta méthode de travail ? Tu commences par décoder la psychologie des personnages ou tu échanges d’abord avec le réalisateur et les acteurs pour construire une vision commune ?
Whitney : D’habitude, lorsque je reçois le script, les personnages ont déjà été construits dans une certaine mesure, donc je me base sur cela. Il y a toujours une série de réunions où je rencontre les scénaristes et le réalisateur pour discuter de l’histoire et de la création de l’univers, et c’est aussi à ce moment-là que je présente ma vision de l’apparence que je pense être la plus appropriée. S’il s’agit d’un nouveau personnage, selon la situation, j’aurai aussi une discussion avec les acteurs pour voir comment ils envisagent de l’interpréter ou dans quelle direction ils souhaitent aller, et cela m’aide toujours également.
La création d’une ‘bible de costumes’ est une pratique standard dans l’industrie pour maintenir la cohérence visuelle sur plusieurs saisons, utilisée sur des séries comme ‘Stranger Things’ ou ‘The Crown’.
Ton travail repose beaucoup sur la création de personnages. Comment un costume peut-il aider un acteur à comprendre son rôle, à incarner sa personnalité, voire à influencer sa performance ? As-tu un exemple d’une tenue qui a changé la manière dont un acteur a abordé son personnage ?
Whitney : C’est souvent quelque chose que l’on travaille lors des essayages, et c’est vraiment amusant pour moi. En télévision, surtout, le rythme est tellement rapide que je pense souvent au personnage avant même que l’acteur ait eu le temps de le faire. Donc, lorsqu’ils arrivent pour un essayage, cela peut vraiment déclencher le processus pour eux. Selon le genre, le tissu, la construction et le design jouent tous un rôle dans le développement du personnage du point de vue du costume.
Par exemple, si je crée un costume de super-héros pour une série Marvel, l’acteur devra négocier ses mouvements avec les tissus haute technologie et la conception spéciale du costume. Ou si je construis une robe du soir des années 1930, l’actrice qui la porte pourrait jouer son rôle différemment en fonction de l’élégance du look. Si c’est un western et que l’acteur doit porter un poncho, il devra en tenir compte dans ses actions. De même, pense à la manière dont on marche différemment avec des bottes et des vêtements lourds. Tout ça joue un rôle.
J’ai beaucoup d’histoires comme ça, mais une amusante vient de la saison 5 de AOS (Agents of S.H.I.E.L.D.), où Daisy était forcée de combattre dans un genre de combat de gladiateur en tant que ‘Destructrice des mondes’. Chloe Bennet et moi avons en fait créé ces liens en cuir sur mesure lors d’un essayage, similaires aux bandages de boxe, pour qu’elle puisse les utiliser dans ses scènes d’action.
As-tu déjà rencontré un personnage particulièrement difficile à habiller ? Comment as-tu relevé ce défi ?
Whitney : En général, les défis se posent lorsque le temps ou les ressources sont limités. Quand cela arrive, ma méthode est de réduire les couches et de simplifier mes besoins. Je commence par me demander ce que je dois faire pour le personnage, en fonction de la caméra et du script. Ensuite, j’ajoute des éléments à partir de là.
Des productions comme ‘Game of Thrones’ ou ‘The Mandalorian’ ont dû adapter des costumes très complexes pour des contraintes de tournage, ce qui est une pratique courante dans l’industrie.
Y a-t-il une tenue ou un personnage que tu considères comme ta création favorite, celle qui te tient le plus à cœur ?
Whitney : C’est difficile, je n’ai pas vraiment de préférés. J’ai beaucoup aimé créer tous les costumes d’époque dans la saison 7 de AOS (Agents of S.H.I.E.L.D.). C’était amusant de revenir à ma formation et de plonger profondément dans l’histoire des costumes pour créer des pièces pour les personnages principaux. Je pense que le costume à rayures vertes de Mack (Henry Simmons) et le tailleur marine ‘Dior New Look’ de Simmons (Elizabeth Henstridge).
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Tu travailles sur des univers très différents, du réalisme sombre de Criminal Minds à la fantasy de Agents of S.H.I.E.L.D., ou le western de The Harder They Fall. Comment fais tu pour créer un style cohérent tout en tenant compte des contraintes techniques et narratives ?
Whitney : C’est quelque chose qui fait vraiment partie de ma formation en théâtre. Tout commence avec des planches ou une sorte de bible que l’on crée lorsque l’on construit un univers. On m’a répété plusieurs fois que tout doit revenir aux planches. On construit l’univers, on crée une palette et tout ce qui apparaît à l’écran ou sur scène doit fonctionner dans cette palette.
Pour créer ces univers très différents, où trouves tu tes inspirations : cinéma, mode, art, culture populaire… ?
Whitney : De tout ça ! Cela dépend du projet. J’aime avoir une grande collection de livres – textiles, art, photographie, cinéma, etc. La recherche primaire, ou les références originales d’une époque ou d’un lieu, fait partie intégrante de mon inspiration. Je veux que l’expérience du costume que le spectateur vit soit tangible et réelle.
Whitney a cité Mad Max, Star Wars et Blade Runner comme inspirations pour Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D..
Quelle est la nature de ta collaboration avec les acteurs ? Certains participent-ils activement à la conception de leurs costumes, voire proposent-ils leurs propres vêtements ou accessoires ?
Whitney : C’est toujours une forme de collaboration. Chaque acteur a son propre processus : certains préfèrent que je fasse toute la création du personnage, et d’autres aiment être plus impliqués de manière créative. Je prends chaque cas individuellement. Cependant, une confiance mutuelle dans le personnage est toujours une priorité pour moi, car cela donne un meilleur résultat à la fin.
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Est-ce que certains acteurs repartent parfois avec des pièces après le tournage ?
Whitney : Cela est déjà arrivé (rires) ! Mais c’est généralement mal vu, sauf si cela a été discuté au préalable ou prévu par contrat.
Certains acteurs participent activement à la conception de leurs costumes, comme Robert Downey Jr. sur Iron Man.
Et plus généralement, que devient la garde-robe d’un film ou d’une série une fois le tournage terminé : est-elle archivée, réutilisée, ou recréée à chaque saison ?
Whitney : Le département des costumes est responsable de l’inventaire, et il envoie les éléments vérifiés à la production. Si la série est définitivement terminée, l’inventaire est mis dans des boîtes et récupéré par la production, qui le gère de différentes manières en fonction de la direction du studio. Parfois, il est stocké, parfois il est liquidé ou vendu à des sociétés de location ou à d’autres productions.
Les studios conservent les costumes dans des dépôts pour réutilisation ou location, pratique courante chez Warner Bros., Universal, et Disney.
Sur une série longue comme Criminal Minds: Evolution, comment gères-tu la continuité des personnages au fil des saisons ? Leur évolution personnelle se reflète-t-elle aussi dans leur manière de s’habiller ?
Whitney : Après avoir conçu les personnages sur plusieurs saisons, je les connais comme de vieux amis, et il suffit de réfléchir à l’avenir de l’évolution de chacun en fonction de leurs histoires dans la série. Une partie de cela est aussi une collaboration avec les acteurs qui incarnent ces personnages. C’est un aspect majeur de l’habillage d’un personnage ayant une si longue durée à la télévision. Garder leur histoire cohérente ne dépend pas uniquement de moi, car les acteurs les connaissent mieux que moi à ce stade.
Les designers documentent chaque détail – couleurs, accessoires, marques – pour garantir la cohérence sur plusieurs saisons, comme pour ‘The Crown’ ou Grey’s Anatomy.
Restons sur Criminal Minds: Evolution. Nos lecteurs doivent savoir que notre premier contact s’est fait parce que je recherchais désespérément le hoodie porté par Zach Gilford dans la dernière saison (rires). Son personnage, Elias Voit, a beaucoup évolué en saison 18 : il développe de l’empathie et passe d’un rôle d’antagoniste à un personnage auquel les membres du BAU – et les spectateurs – s’attachent. Comment as-tu pris en compte cette évolution dans ses tenues cette saison ?
Whitney : Tout revient au personnage et à son histoire pour moi. Je pense à l’histoire d’où il vient et comment il évolue, puis je traduis cela dans les vêtements. D’où viendrait-il ces vêtements ? Que fait-il et comment déciderait-il de ce qu’il va porter ? Et bien sûr, je dois faire en sorte que cela fonctionne aussi pour la télévision.
Voit a subi une véritable transformation dans la saison 18, et mon objectif était de transcrire cela à travers les costumes en utilisant davantage de textures et des silhouettes plus fluides. Je voulais le rendre plus accessible au public, c’est pourquoi il porte désormais des pulls doux, des chemises déstructurées et des baskets, contrastant avec les bottes à embouts d’acier et les vêtements de travail du Voit tueur en série.
Après plus de vingt ans de carrière, qu’est-ce qui te passionne encore dans ce métier, et quel conseil donnerais tu à quelqu’un qui souhaite devenir Costume Designer aujourd’hui ?
Whitney : Ce n’est jamais ennuyeux de travailler dans mon domaine, car chaque projet est différent et chaque script présente ses propres défis uniques. J’aime être créative et trouver des solutions créatives, donc ce travail me garde toujours en alerte et fait travailler ces muscles. Pour ceux qui aspirent à devenir designer de costumes, je dirais : formez-vous avec autant de connaissances que possible dans le domaine et, puisque nous vivons dans un paysage de plus en plus numérique, familiarisez-vous et devenez compétent avec ces outils dans le métier. C’est un domaine en constante évolution.
Nous arrivons à la fin de cette interview, merci Whitney de m’avoir accordé ton temps et partagé ton expérience.
Whitney : Avec plaisir ! C’est toujours amusant de partager ma part de l’industrie du divertissement. Ces interviews me redonnent un nouveau sens de l’amour et du respect pour un travail si unique que j’ai le privilège de faire chaque jour.
Propos recueillis par Thomas O. pour Eklecty-City.fr, qui remercie Whitney Galitz de s’être prêtée au jeu d’une interview.
