Je ne vais pas refaire l’histoire de ce disque, mais quand #3 de Diabologum débarque en 1996, le rock français n’en mène pas large et 15 ans plus tard, çà n’a pas changé.

On a tout essayé, nous faire manger du Dionysos, du Luke, des sous-machins et des bidules-version francaise, même réessayer la formule Kyo avec les BB Brunes pour les gamines, rien n’y fait. C’est mignon, c’est gentil, mais c’est pas du rock…

#3, cet album de Diabologum est intemporel. Il pourrait sortir aujourd’hui il aurait toujours la même puissance. Le phrasé parlé/scandé/chanté plus pertinant et cinglant que n’importe quel adepte du slam démago des années 2000, des samples dans le rock, de la noise dans la pop. Même ce coté pédant et un peu froid ne rebute pas. Au contraire, on voudrait voir cette répartie et ce sens des mots affutés dans beaucoup plus de productions francaises. J’aimerais qu’on se souvienne de ce disque comme d’un classique, pas seulement un truc d’initié et j’espere qu’il aura un jour la place qu’il mérite dans l’histoire du Rock.

Et puis Rock’n'Folk écrivait à la sortie du disque : « Car dans le fond ce triste objet ne mérite même pas qu’on s’acharne sur son sort. Disons rapidement que les Diabologum ne savent ni jouer, ni composer (de la musique, une chanson ou simplement une mélodie qui tienne la route), ni utiliser (cette tripotée de samples censée produire un effet de blizzard sonore), ni chanter (au moins ils n’essayent pas), ni même parler…il faut être aveugle, sourd et malentendant pour apprécier, c’est qu’on est effaré et exaspéré par le snobisme intellectuel de ces gens. Texte après texte, on reste confondu par la bêtise prétentieuse… »
Ils sont risibles, ces magazines de musique. C’est pour çà que j’en achète pas.

Diabologum a au moins le mérite de ne pas laisser indifférentes les personnes qui les écoutent. Il y a ceux qui crient à l’imposture musicale, à la fausse bonne idée, aux textes imbéciles, aux phrasés ridicules… Puis il y a ceux qui voient dans ce groupe un peu de génie musical. J’en fais partie. Cet album est un bloc de noirceur, une réminiscence du mouvement romantique, un seul concept creusé jusqu’au bout. Mais quand on aime çà que c’est bon. Et personne n’a vraiment retenté l’expérience de ce véritable OVNI expérimental qui s’est crashé et qui est craché.

C’est « le groupe légendaire mais méconnu » typique.

En avance sur son temps, le son qui s’en dégage préfigure une grande partie de la musique des années ’80, malgré la brièveté de son parcours, de 1976 à 1980. Formé en pleine période punk en Angleterre, ce groupe s’en démarque par un son froid, lugubre, solennel, même si le sentiment d’urgence qui anime également le rock à ce moment-là se remarque. Leur nature provocatrice se refléte dans leur nom : les « Joy Division » étant les quartiers spécifiques dans les camps de concentration où était détenues des femmes qui n’était que des jouets sexuels aux yeux des nazis.

C’est le prototype même de la cold wave et du rock industriel qui émerge, avec des années d’avance. Inspiré tout autant par Velvet Underground, David Bowie, les Sex Pistols. Ces musiciens de Manchester n’ont jamais réellement connu le succès mais ils ont su devenir une référence et une source d’inspiration avec les années.

A ajouter à çà, le chanteur écorché vif Ian Curtis, qui se suicide à seulement 23 ans, alors qu’une prometteuse tournée aux USA se profilait. Cet espèce de mutant aux yeux délavés et dévoreur de livres hantait déjà les salles de concert avec son épouse, sa veste kaki barrée d’un « HATE » dans le dos, quand les autres, enthousiasmé par la puissance des Sex Pistols, lui proposent de devenir le chanteur de leur nouveau groupe.

Il en deviendra rapidement l’âme. Détonnant sur scène avec ses mouvements déstructurés et saccadés dû à ses crises d’épilepsie, il donnait un étrange rythme aux prestations du groupe avec sa voix si particulière. A sa mort, les autres membres ont reformé un groupe nommé New Order, mais il manquera le principal.

Le rock haranguait les foules, s’amusait à les choquer, les interpeller…. avec Joy Division, on passe à quelque chose de véritablement nouveau, une rage non exprimée, de la frustration, de la mélancolie, une musique qui semble, après l’explosion punk, nous dire que tout ça n’est que spectacle. Pas de frime, pas de look, rien de frivole. Seul l’esthétique minimaliste compte. On n’y vient pas pour se divertir, s’amuser, danser. Si le rock est le reflet de la jeunesse, alors Joy Divison en est une partie sombre, la phase où l’on ne joue plus, où cela devient subitement sérieux.

Je vous conseille le biopic sur la vie et la mort de Ian Curtis, Control, sorti en 2007

Il y a tant à dire… Seul l’écoute permet d’en ressentir le contenu de cet album exceptionnel. Mais peut-être replacer le contexte quand il est sorti vous fera (re)découvrir le meilleure album des Clash.

1979. Le mouvement punk s’éteint avec violence, comme il avait commencé. L’icône décriée Sid Vicious meurt d’une overdose, les protagonistes de la scène punk commencent à penser à autre chose, bien que beaucoup de leurs spectateurs se radicalisent… La contestation juvénile de ces époques-là s’arrêtent peu à peu, pour une protestation plus mature et réfléchie. Les gamins provocateurs sont devenus adultes. Ils nourriront de manière prolongée leurs successeurs, ils en ont conscience. Mais la colère bout encore, car l’Angleterre est en pleine récession, et n’est pas près d’en sortir.

London Calling est le testament du punk, la preuve d’un assainissement du rock, une déclaration d’amour pour cette musique en général. Le goût du rockabilly de Joe Strummer, le groove particulier de Topper Headon l’amateur de soul et de funk, la passion des musiques ska et dub qui anime Mick Jones et Paul Simonon… Tout est distillé, leur orientation idéologique toujours aussi forte.

Commence « London Calling », le titre éponyme de l’album, qui plante le décor d’une ville brûlante, où la menace nucléaire est évoquée avec ses guitares saccadées et sa basse roulante telle le tonnerre.
Suivi par « Brand New Cadillac » de Vince Taylor, qui trahit déjà l’influence et où veut nous amener le groupe. « Hateful » rappelle la relation ambigüe qu’un client entretient avec son dealer, responsable de l’entretien de son vice. « Rudie Can’t Fail » met en scène un jeune homme critiqué pour son incapacité à devenir responsable (un rudie est dans l’argot londonien un amateur de musique jamaïcaine).

« Spanish Bombs » est un coup d’accélérateur, qui traite de la guerre d’Espagne des années 30 et de l’héroïsme des républicains. Le refrain est bilingue, en espagnol et anglais.
« Lost in the Supermarket », écrit par Joe Strummer, imagine l’enfance de Mick Jones grandissant dans une banlieue happée par la société de consommation. Plus intime et plus lente, cette chanson est chantée par ce dernier.
De style plus punk, « Clampdown » dénonce les dérives de la société capitaliste et la poussée des jeunes vers l’extrémisme en l’absence de but. « Guns of Brixton », écrite et chantée par le bassiste Paul Simonon, continue son exploration du dub et du reggae, avec une basse assez menaçante.
« Death or Glory » est un pamphlet. Les mots « Death or Glory » (« La Mort ou la Gloire ») sont chantés à chaque début de refrain et répondent aux riffs de guitare. Il pousse à ne pas succomber aux majors, qui savent uniquement reproduire ce qui a déjà été entendu auparavant, sans aucune innovation (toujours actuel, non ?).

La pochette elle-même devient célèbre, pour sa photo de Simonon fracassant sa basse, déçu par le public lors d’un concert. London Calling est réalisé en double album, mais se vend au prix d’un album standard, à la demande du groupe, le coût unitaire de production et de vente se répercutant sur leurs gains.

London Calling
Brand New Cadillac
Jimmy Jazz
Hateful
Rudie Can’t Fail
Spanish Bombs
The Right Profile
Lost in the Supermarket
Clampdown
The Guns of Brixton
Wrong’Em Boyo
Death or Glory
Koka Kola
The Card Cheat
Lover’s Rock
Four Horsemen
I’m Not Down
Revolution Rock
Train in Vain (titre caché lors de la première sortie de l’album)

Le punk est mort, vive le punk.

Un nouvel exemple est arrivé.

Voila un nouveau clip de Britney Spears qui débarque, et les choses sont claires : elle est perdue dans une faille spatio-temporelle. On est en train de regarder « Till the World Ends » et elle a repompé visuellement son clip pour « Slave4U », avec un peu de L5 dedans, le tout sur un titre de Cascada. Non mais Cascada c’est juste pas mal, mais seulement quand ce sont les Allemands qui font leur titre. Même le petit son de synthé, qu’on a déja entendu dans toutes les productions electro des 3 dernieres années (merci Guetta, ta french touch, on s’en serait passé).

Cela devient insupportable d’entendre absolument toujours la même production. Le problème, c’est utiliser les mêmes gimmiks pour tout le monde par des mecs comme Dr Luke qui vendent des titres pour Pink, Katy Perry, Ke$ha, Rihanna, et qui refourguent la même merde à tout le monde à tour de rôle (alors Pink avait un semblant de personnalité, maintenant c’est juste le titre qui n’a pas servi à Rihanna ou à Katy Perry).

Qu’on ne vienne pas me dire aujourd’hui qu’on a jamais été aussi créatif musicalement grâce à la technologie. C’est le néant !
Même beat, même son, même autotune, même ligne de chant, mêmes effets de cut sur la voix, mêmes paroles « bring me on the floor, DJ, we gonna dance tonight, and its hot, baby, we’re going high, and it’s allright ».

Que les Américains découvrent la dance 10ans après tout le monde, ok, mais là ça devient vraiment inquiétant. Il est aujourd’hui absolument impossible de savoir qui chante quoi, de reconnaitre un artiste si on ne dit pas son nom avant. Taio Cruz « Higher », Chris Brown « Yeah X3″, Usher « Dj Got Us fallin in love » , Enrique Inglesias « I Like It »: même son, même voix, même refrains, mêmes thèmes, mais enfin les gars, qui êtes-vous ? C’est vraiment comme si 4 filles se retrouvaient dans là même soirée avec la même tenue, elles ne seraient pas vraiment ravies, sauf que là pas du tout, tout le monde se congratule de se ressembler. Ils doivent pas connaître la Théorie de l’Asymétrie, qui stipule que chaque espèce a disparu alors qu’elle présentait des traits de similitudes entre individus.

Déprimant. Vous me direz, il y a des tubes; mais de la personnalité, nada. La pop US est en train de sombrer dans une uniformisation encore jamais vue jusqu’ici. Alors que l’Europe était championne pour sortir des artistes de boîtes de nuit à la chaine, sans âme, sans univers, mais au moins avec un son, l’Amérique est en train d’industrialiser le concept à outrance, alors que c’etait vers elle qu’on se tournait pour avoir des artistes singuliers. On rentre vraiment dans une consanguinité auditif. C’est le chewing gum qui n’a plus de goût, qu’on continue à machouiller. C’est la voie rapide, celle qu’a emprunté le disco ou le R’n'B.
Les sonorités redondantes, les artistes insipides, interchangeables, les productions à la chaîne, le manque total de personnalité des uns et des autres n’est plus reservé à la musique de club. L’industrie de la musique est devenu un fast-food !

Et pendant ce temps on gueule ou on boude sur un titre de Lady Gaga, léché musicalement; c’est peut-être pas pour vous une vraie diva pop, mais c’est la seule qu’on a; et désolé pour les puristes, mais un son un plus corrosif que d’ordinaire (pour de la pop j’entend), ce n’est pas réservé au métal. «Si vous voulez que je sois une artiste préfabriquée, vous pouvez aller vous faire foutre», a-t-elle répondu à NME après une question à laquelle elle était qualifiée d’être un produit commercial. La seule chose que je lui reprocherais, c’est de s’être excusé après cette sortie.

Que ces soit-disant artistes sortent leurs couilles et nous proposent eux-même, et pas un simple formatage, il y en a bien assez… !

Il existe un clivage entre pop et rock. Je suis le premier à me battre, pour imposer une certaine limite conceptuel entre les deux (mais qui échangent). Pourtant, ces deux courants peuvent fusionner, pour concevoir un truc flamboyant.
Le meilleur symbole en serait Ziggy Stardust, le premier personnage inventé par David Bowie, et sans doute le plus connu.

Bowie rame, et tarde à exploser dans le Londres du début des années ’70. Il a fait quatre album qui on eu peu de succès, malgré un titre, « Space Oddity« , en 1969. Il comprend que pour exister et devenir célèbre, il ne suffit pas de faire le hit absolu, mais doit le provoquer, faire le buzz. Il commence par dire dans une interview qu’il est gay (alors qu’il est marié); pour finir par annoncer qu’il est en fait bisexuel.
Mais il n’est pas en reste musicalement. Sort l’album The Man Who Sold the World avec l’arrivée du guitariste Mick Ronson en 1971, dont la chanson éponyme est un hit (et oui, celle que certain connaissent de Nirvana est en fait une reprise).

Pour l’album Hunky Dory, toujours en 1971, Ken Scott, ancien ingénieur du son des Beatles, prend la place de Tony Visconti à la production. L’album est plus calme, piano et arrangements de cordes l’emportant, tel « Changes » , « Life on Mars? » , « Queen Bitch » .

C’est alors que sous les yeux du public, Bowie lâche la créature qu’il a peaufiné.
C’est un alien de la musique. Un androgyne maquillé. Une star venue de l’espace, se prenant pour Dieu. C’est Ziggy Stardust, l’ultime rockeur, venu sur Terre pour prédire la fin du monde dans cinq ans, et apprendre aux humains la valeur de l’amour. Mais qui finit par se laisser corrompre, pour finalement se suicider. Décadence et cynisme (voire nihilisme) sont les mots qui décrivent le mieux Ziggy… et la société et l’époque où il atterrit.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars devient le symbole et l’inspiration d’une génération.
 

Five Years
Soul Love
Moonage Daydream
Starman
It Ain’t Easy
Lady Stardust
Star
Hang on to Yourself
Ziggy Stardust
Suffragette City
Rock ‘n’ Roll Suicide

Les chansons s’enchaînement de manière fluide, sans aucun déchet notable, tantôt acoustiques (première face du vinyle essentiellement acoustique, « Moonage Daydream » étant l’exception) tantôt électriques). L’album possède une vraie ambiance très ancrée dans son époque, baignée dans la science-fiction et le glam-rock. « Five Years »: Ziggy chante avec désarroi et émotion la fin du monde dans les 5 années à venir. « Starman » est une chanson devenue un vrai classique du chanteur, la guitare sèche, la voix, tout est lié afin de donner l’envie de monter dans les étoiles. « Ziggy Stardust » sera toujours un tube. « Suffragette City » montre l’influence du proto-punk sur Bowie. Album grandiose, final grandiose: « Rock & Roll Suicide » ferme magistralement la marche… et sera également la dernière chanson que chantera David Bowie à l’ultime concert concert de Ziggy, en juillet 1973.

Avec la vraie fausse mort de Ziggy Stardust, David Bowie entre, lui, dans l’histoire du rock. Il se façonne une image de caméléon s’adaptant à toute période et ouvrant de nouvelles lignes sinueuses. Le punk lui dédiera ses messes révoltées. Le gothique s’inspirera de ses fards énigmatiques, à l’image des dernières glissades folklorico-kitsch de Marilyn Manson. Ziggy Stardust, bien dans sa peau, se prépare à devenir éternel.

En 2009, il est vraiment impossible de se moquer du monde, au sens propre. Impossible de s’aventurer aujourd’hui dans des traits d’humour jouant avec la religion, la politique, le racisme sans en donner le mode d’emploi avant.

Impossible d’être politiquement incorrect, ou d’utiliser une forme d’expression radicale pour dénoncer justement l’idiotie des mouvements extrémistes de tous bords. C’est ce qu’arrive à faire Sacha Baron Cohen dans Brüno, en citant Hitler comme un héros incompris de l’autriche, ou en confondant le houmous et le hamas, ou même en France un film comme OSS117, mais aujourd’hui, pour utiliser ce genre d’humour il faut montrer patte blanche. Chaque communauté a le droit de se moquer de sa propre communauté, mais ça s’arrête là. On peut dénoncer ses propres travers, mais plus ceux des autres, au risque d’être traité d’extrémiste, de raciste, d’anti-ceci ou cela.

Et cerise sur le gâteau, impossible aujourd’hui de détourner les codes visuels des extrémistes, de les utiliser, de les imprimer, de les détourner. On a perdu tout recul, tout sens de la dérision, à la moindre vue d’un type déguisé en Hitler, ou à la moindre blague incluant une communauté religieuse, sans appuyer lourdement votre propos pour dire que vous ne cautionnez pas le personnage que vous singez, vous êtes aussitôt accusé de faire l’apologie de la haine, peut importe le discours, ou le sous entendu. Si les Monthy Python ou Desproges pouvaient le faire, aujourd’hui peu de gens ne se risqueraient à ce genre de blague satirique.

Il y a eu un groupe, qui au début des 80′s a pourtant construit son image uniquement sur cette mécanique. Utiliser ironiquement les images les plus politiquement incorrectes pour appuyer son discours. Mais est-ce qu’on sait encore ce que c’est que l’ironie aujourd’hui ?

Ironique est déjà le nom du groupe : Reagan Youth, inspiré de Hitler Youth (Jeunesse Hitlérienne pour les anglophobes), comme si ils étaient totalement dévoués a la cause du président des Etats Unis de l’époque. Et pourtant, à l’instar de Dead Kennedys à l’époque, le groupe va au fil de son seul et vrai album se moquer de tout ce que l’Amérique bien pensante et conservatrice représente de plus détestable.
Les morceaux sont bons, simples, et les paroles brutes. Ce n’est évidement pas de la grande poésie, c’est très 1er degré , mais le contexte dans lequel cette scène écolue s’y prête parfaitement. Et puis, entre nous, il y a plus de vérité, de vécu et de cran dans une phrase de Reagan Youth que dans n’importe quel paroles de groupe de « musique équitable » à la Tryo, nous déversant des idées toutes faites sur Bush ou la misère dans le monde qu’ils ont du écrire en regardant BFM tv.

Même si la carrière du groupe ne fut pas des plus prolifique avec un seul véritable album au compteur, Youth Anthems for the New Order, (ce qui se passera apres 90 est plus anecdotique, et on passera la reformation actuelle sous silence), Reagan Youth par cette imagerie, un discours radical et des très bons live a été un groupe majeur de cette scène « early-hardcore » et des groupes comme les Beastie Boys n’ont eu de cesse que de répéter au fil des ans l’influence qu’a eu Reagan Youth pour eux, voire meme de reprendre des titres en live.

La suite de l’histoire est moins réjouissante, le groupe a véritablement vécu jusqu’en 1988, date à laquelle Reagan quitte la maison blanche, et David « Insurgent » Rubinstein, heroin addict, se suicidera en 1993, après la mort de sa mère, et après que sa petite amie de l’époque fut retrouvée morte à l’arrière du camion du tueur en série Joel Rifkin.
Quoi qu’il en soit, David Insurgent a su utiliser habilement les mots et les images des partis et des groupes politique les plus extremes dans un sarcasme, et un sens satirique assez joussif. Même si son impact reste limité à une sphère et un genre musical, rare sont ceux qui s’aventureraient dans ce genre de démarche artistique aujourd’hui de peur que les gens ne s’arrêtent qu’au premier degré de lecture. Et dans ce monde de zapping permanent et de profusion d’images, plus personne ne va vraiment regarder sous la couverture, on s’arrête généralement à ce qu’on voit en surface. Les méchants ont des costumes de méchants, et les gentils ont des tongs avec des guitares sèches.

Rien de nouveau sous le soleil, je vais taper de nouveau sur l’industrie musicale et le public. Parce que si les cons ne risquent pas de mourir, vaut mieux les dénoncer.

« Les jeunes de nos jours ont totalement perdu l’expérience de mettre des écouteurs, mettre le volume à 10, tenir la pochette, fermer leurs yeux et se perdre dans un album, et aussi la beauté de prendre son argent du mois et de prendre une décision basée sur la pochette, pas en connaissant déjà la musique, mais en regardant des images et en imaginant la musique. Mon Dieu, c’était un moment magique. Ca m’énerve de passer pour un vieux, mais c’est le cas. Retenez mes mots, mais dans une génération, les gens se demanderont ce qui s’est passé. Steve Jobs est personnellement responsable d’avoir tué l’industrie de la musique« .

Hem hem… Le pauvre Bon Jovi devient sénile. Ce que j’adore personnellement, c’est le passage où il déplore une époque où on lâchait notre argent de poche dépensé sur un album sans connaitre le contenu. On était vraiment très heureux d’acheter des disques sur une belle pochette et de se rendre compte que 10 morceaux sur 12 étaient de la vraie soupe, de l’alimentaire pour remplir le CD.
Et puis, Steve Jobs, bien au contraire, a essayé malgré tout de lui faire gagner un peu du pognon, avec Itunes.

Et non, ceux qui tuent l’industrie musicale, c’est bien… nous, le public. En n’achetant plus les CDs, et en piochant parmi les titres. Et puis, pourquoi on s’emmerderait à acheter un album ? On ne compte plus les applications pour écouter énormément de musique pour presque rien.
C’est sûr, ce sont les labels qui font la gueule. Bien que ceux-ci aient leurs chiffres d’affaires qui aient plongé, ils continuent à nous inonder, sans sembler comprendre que ce n’est pas le CD que les gens achètent, mais la musique !

On va prendre l’exemple de la gamine qui aime beaucoup les Black Eyed Peas. Deux choix se posent à elle.

1) Elle va prendre le tram/prendre le métro/demander à maman de l’emmener à la prochaine FNAC pour acheter le nouvel album des trois zigotos (ah bon, ils sont quatre ? mais il sert à quoi l’indien ? bref). Elle va débourser du pognon rien que pour aller où est vendu le CD. Une fois celui-ci acheté, elle va rentrer, va extraire la zik, et la mettre dans son MP3/MP4. Le CD ? Il va finir dans un coin prendre la poussière.

2) Elle le télécharge, ou demande à une de ses copines de le lui filer.

Après les labels s’étonnent et font grises mines. Et demandent… Hadopi (qui franchit les limites du droit à la vie privé, et donc pourrait être anti-constitutionnelle… Big Brother vous regarde).

Ancien patron de Sony Music France et du SNEP (les syndicat des majors), Christophe Lameignère est nommé patron du label Polydor, au sein d’Universal Music France, en janvier dernier. Deux ans auparavant, il disait ceci.

« Les gens qui téléchargent illégalement sont des couards planqués derrière leur ordinateur. Ce sont des terroristes… ces gens-là, ils auraient vendu du beurre aux Allemands durant la guerre. »

Non seulement ce monsieur fait l’amalgame entre nazis et Allemands, mais en plus il nous faisait la moral. Parce que le matraquage publicitaire de certains groupes ou interprètes (Black Eyed Peas en tête), les 20 euros du single du moment (avec les inévitables titres de remplissage de l’album), la culture du top50 plutôt que la culture de l’artistique, ce ne serait pas du foutage de gueule ?

Alors, certains ont des idées pour s’affranchir du support, pour transmettre leur travail à un prix modique au plus grand nombre.
Par exmple, In Rainbows de Radiohead ne donne pas lieu à l’acquittement d’une somme précise par l’internaute, mais est laissé au libre choix de l’acheteur, qui le télécharge. (On atteint néanmoins les limites d’un tel procédé, puisque si le groupe ne définit pas le prix, c’est qu’ils sont incapables de connaître la qualité de leur travail.)

Nine Inch Nails s’est très vite intéressé à la promotion et à une possible économie de marché parallèle et indépendante. Un jeu de piste est organisé sur le Web pour l’album Year Zero (album-concept sur le totalitarisme…), et des clés USB contenant des titres de ce même album sont retrouvés dans les toilettes des salles de concert du groupe. Autant dire que la maison de disques fut en rogne… Après l’avoir quitté, NIN récidiva pour Ghosts I-IV et The Slip, en allant plus loin, car les albums sont gratuits et édités sous la licence « Creative Commons »; le groupe s’est juste fait du pognon sur les différentes éditions limités (qui ont tous été vendus à ce jour).

Oui, l’ère du numérique a détruit ce à quoi vous (les maisons de disques) teniez le plus : le monopole de la fabrication et de la diffusion des supports musicaux. A cette époque, vous vous en êtes donné a coeur joie. Les compiles insipides, les albums avec la vache en image de synthèse, ou la grenouille qui pète,, ou d’une putain de taupe, les clones en pagaille de chanteur de variétés, la télé-réalité, tout ça on ne l’a pas inventé, nous les terroristes. Ce sont bien les producteurs qui ont vendus à gros coup de pub télé tout cette production vide de sens.

Vous vous posez une question : pourquoi tant de haine à l’encontre envers les Black Eyed Peas ? Voilà une raison, la plus récente :

Quel classe, quel tact. Vous vous rappelez de l’auto-censure américaine autour des films qui montrait le World Trade Center ? Ben apparemment çà marche que dans un sens.

Pour finir la semaine, pour allier séisme, menace nucléaire, dictateur fou, et destruction du business de la musique, en voila qui sont en train de réussir à rendre la musique encore plus destroy : Ark Music Factory. Un label qui recrute des ados pour essayer d’en faire des stars (surtout de le leur faire croire, pour bien les pigeonner, et nous avec, je pense), qui sont en train d’inonder Youtube de chansons plus ignobles les uns que les autres, plus cons que René la taupe, mélange d’euro dance emo r’n'b à l’autotune (obligatoire), un must. Les clips sont là, un régal aussi : Rebecca Black (10 millions de vues !), Britt Rutter, Ariana Dvornik… à côté, le dernier-né de Nolwenn Leroy, c’est du Depeche Mode.
Un autre monde (musicale ou pas) reste-t-il possible ?

Car à l’heure dont je vous parle, les révolutions arabes s’essoufflent, et la guerre contre un tyran cinglé se profile… Je vous invite à écouter ce titre et regarder le clip, en hommage.