On se souvient tous du documentaire de Morgan Spurlock sorti en 2004, Super Size Me, dans lequel le réalisateur se nourrissait pendant un mois chez McDonald’s. Son but était de dénoncer les effets néfastes de la restauration rapide et du Super Size, la version géante des menus du célèbre fastfood. Pour son dernier documentaire, The Greatest Movie Ever Sold (Le plus grand film jamais vendu), rebaptisé chez nous par Super Cash Me (pour des raisons commerciales ?), Morgan Spurlock s’attaque à son gagne-pain en révélant avec humour tous les vilains petits secrets d’Hollywood ainsi que tous les stratagèmes utilisés pour convaincre les annonceurs de placer leurs produits dans les films ou à la télévision.

Pour son nouveau documentaire, Spurlock veut obtenir le financement de son projet tout en le réalisant. En contrepartie le journaliste promet aux entreprises qui acceptent de participer au projet de devenir la chaussure, la boisson etc. officielle du documentaire. L’objectif est de nous montrer jusqu’à quel point le placement de produit a pris une place importante dans les milieux culturels et que les publicitaires ne sont autres que des fabricants d’une économie de désir.

Comme chacun le sait l’intégration de produit permet de générer de l’argent pour les films, mais aussi la Co-Promotion, nécessaire à un film pour devenir un blockbuster. Sans vous dévoiler l’intégralité du documentaire, citons l’exemple du film Iron Man, qui était en partenariat avec plus de quatorze marques, de Burger King à Audi. Ce type de partenariat va générer des millions de dollars de pub gratuite pour le film, tout en offrant une visibilité de taille pour les marques.

Quentin Tarantino avoue prêter peu d’importance au placement de produit, lorsque celui-ci est discret, mais dénonce une utilisation extrême du procédé, décrédibilisant ainsi un film. Pour Minority Report en 2002, Steven Spielberg n’avait pas hésité à tourner des séquences totalement inutiles pour le plus grand bonheur de Pepsi, GAP et Guiness.

Aujourd’hui nous sommes tous conscients du placement de produit que nous n’y faisons même plus attention tellement nos yeux sont sollicités. La révélation du documentaire se fait sur d’autres points comme la découverte du règlement anti affichage publicitaire de la ville de São Paulo. Aux États-Unis, en échange de fournitures et de matériels, les établissements scolaires sont obligés de diffuser chaques jours aux enfants (entre 11 et 17 ans) le JT de la chaine Channel One d’une durée de 10 minutes, comprenant une page de pub de 2mn avec des produits directement destinés aux collégiens.

Morgan Spurlock s’intéresse également à Coca-Cola et au Neuromarketing, soit l’importation de l’IRM dans le domaine commercial, afin de savoir si nous pouvons forcer la mémoire et déclencher ainsi un acte d’achat.

Bien que le documentaire nous captive dès les premières minutes, le réalisateur multi récompensé de Super Size Me reste à la surface des choses, ce manque est très vite oublié par l’humour décalé de Spurlock. Si le sujet vous parle, nous vous encourageons à le regarder et à suivre votre analyse avec l’ouvrage de Marie Benilde « On achète bien les Cerveaux », un titre clin d’œil à la déclaration de l’ex patron de TF1 Patrick Le Lay « Le métier de TF1, c’est d’aider CoCa-Cola à vendre son produit. Ce que nous vendons à Coca-Cola, c’est du temps de cerveau humain disponible.« 

Un film espagnol dans la lignée des « found-footage » qui sert plus ou moins bien la catégorie des films d’horreur. Tremblons nous aussi devant Atrocious ? Cliquez pour le savoir.

Synopsis : Avril 2010. Trois jeunes disparaissent en enquêtant sur une légende urbaine. Les trois corps, défigurés, ont été retrouvés. Les images qu’ils ont tournées aussi…

La méthode de réalisation s’inspire de la caméra à l’épaule amateur (officiellement connu comme found footage) vu pour la première fois dans l’atroce et immoral Cannibal Holocaust, connu du grand public depuis le film d’horreur Le Projet Blair Witch qui a été ensuite repris ses lettres de noblesse dans Cloverfield et maitrisé dans REC, un autre film espagnol. Le danger n’est pas en lui-même la réalisation qui se veut mal cadrée, sale… sauf que la caméra numérique étant passé par là, l’image est assez belle. Dans cet exercice de film se voulant amateur, on se retrouve face à beaucoup de temps mort pour que l’histoire se mette en place, on regrettera des moments de longueur qui aurait pu être évité ! Le montage lui, est incohérent, avec soit de longs plans séquences soit des petites coupes dans les plans… fallait choisir l’un ou l’autre ? Passons ce choix de montage.

Bon, sinon niveau scénario ou histoire et personnages… ça commence avec TOUS les clichés habituels ! Et il n’y a pas besoin d’être doué en film d’horreur pour ne pas s’en rendre compte, les protagonistes de cette histoire nous l’expose avant même que cela commence. Une série de clichés : des jeunes, une maison abandonnée, comme par hasard une légende urbaine, et, dès les premières secondes on sait que ces jeunes éphèbes vont se faire trucider !

Niveau peur… heu oui on peut avoir un peu l’échine qui se glace quand on voit certaines choses mais, ce n’est pas assez pour faire sursauter de peur et pour donner des coups de stress comme un bon REC ! C’est télécommandé sans trouver de nouveauté. On avait pu penser que la présence de deux caméras sur le terrain pouvaient être exploitées afin de se retourner contre les personnages et pouvoir manipuler les spectateurs… espoir anéanti.

Un film qui n’est pas mauvais ni bon, faisant partie de ces films moyens qu’on ne peut pas anéantir, car les codes sont maîtrisés et le minimum syndical présent mais, le long métrage se noiera dans la foule de film d’horreur qui sortiront par la suite. Atrocious a aussi la « malchance » d’être plus encore décevant puisse qu’il est espagnol : Le cinéma ibérique nous ayant fourni des films d’horreur différent du système hollywoodien et sachant nous faire peur, on s’attendait à voir la barre haute pour Atrocious.

L’un des films phénomène de l’année dernière qui a fait sensation à Cannes, et en Amérique est enfin soumis à notre critique. Que penser de ce film The Artist, voilà notre avis.

Synopsis : Hollywood 1927. George Valentin est une vedette du cinéma muet à qui tout sourit. L’arrivée des films parlants va le faire sombrer dans l’oubli. Peppy Miller, jeune figurante, va elle, être propulsée au firmament des stars. Ce film raconte l’histoire de leurs destins croisés, ou comment la célébrité, l’orgueil et l’argent peuvent être autant d’obstacles à leur histoire d’amour.

Vous ne l’avez peut être pas vu mais vous n’avez pas pu échapper à la folie The Artist sauf si vous étiez coupé du monde et d’avoir reçu votre connexion qu’aujourd’hui tant le web a pu parodier, rendre hommage et discuter sur le film; sur la TV c’est l’extase face à ce petit bijou.

C’est vraiment un petit bijou de bonheur que tout cinéphile doit voir au moins une fois. Le pitch et le choix artistique sont culottés et ça a marché ! Le public, mis en valeur lors du Festival de Cannes, a accueilli avec ravissement ce film muet, comédie dramatique qu’on pourrait ranger dans le pastiche des grands classiques du cinéma muet.

Et que de beauté que ce noir et blanc ! Et que de travail de reconstitution par les équipes de Michel Hazanavicius qui effectue une réalisation soignée. Quand aux acteurs, impossible de ne pas citer Jean Dujardin qui joue de tout son talent de mimiques, sourires ravageurs avec ce côté tête à claque d’homme orgueilleux qui connaitra la déchéance. Bérénice Bejo est vraiment aimée de son mari réalisateur car elle interprète une actrice débutante débordant d’énergie et pétillante, l’actrice est vraiment sublimée. Mais comment les Oscars ont pu la nommée dans un second rôle ! Elle est le miroir du personnage masculin du film. Il y a aussi les autres seconds rôles très attachants, véritables personnages en eux même : drôles, attachants et attendrissants. Mention spéciale au petit chien Uggy… parce qu’il est trop craquant !

Les séquences sont des petits moments de plaisirs, des perles de poésies, de drôleries, on saute de tableau en tableau, de scènes qui seront à coup sûr, et à l’avenir, reprisent en guise clin d’œil dans d’autre film tellement ils sont bien trouvés. On va du drame au comique, du comique au drame, c’est juste beau à lâcher une petite larme.

Ce film fait rêver, c’est une réussite, une fraîcheur fait dans les vieux pots, certains pourront sursauter de voir des encarts et des écritures en langue anglaise qui ferait croire même que le film n’est pas français… si si si ! C’est dur à croire, certains pourraient s’en attrister mais qu’importe ! L’illusion est là et les américains ont, comme on le dit vulgairement, mordu à l’hameçon reconnaissant leurs propres histoires cinématographiques avec ces stars du muet déchues avec l’arrivée du parlant. Le producteur a fait un sacré coup et bravo à lui, ça force la chance pour faire porter le phénomène mondiale.

Monsieur Hazanavicius votre film nous a fait réconcilier avec vous. Nous vous pardonnons vos OSS 117 qui représentaient une France raciste et bête dans lequel beaucoup ne se reconnaissait pas et qui frôlait le très mauvais goût. Vous êtes pardonnez d’avoir fait ces deux films si c’était le prix pour voir naitre The Artist et de faire briller nos jeunes cœurs d’un joli spectacle et d’un élan d’inspiration aux réalisateurs français d’un cinéma français qui propose des films de plus en plus attractifs.

Nous ne savons pas du tout à l’heure où ces lignes sont écrites si nos acteurs et réalisateur ainsi que le film, représentant de notre cher pays où le cinéma est né, gagneront les oscars ! Nous croisons les doigts pour les recevoir fièrement avec le sourire sur une belle victoire, et si ce n’est pas le cas… ce n’est pas grave, la victoire est déjà faite pour le cinéma français.

[MAJ] 27/02/2012 15:00

Après cette longue nuit qui nous a donné un court matin pour nous coucher, The Artist repart avec 5 Oscars dans les catégories les plus notables pour les meilleurs costumes, la meilleure musique, le meilleur acteur pour Jean Dujardin et meilleur réalisateur pour Michel Hazanavicius et surtout pour le meilleur film ! Les cinéphiles français sont en joie et remercie grandement l’équipe de les avoir fait rêver sur un écran de cinéma et sur les tapis rouges.

Une St Valentin « sexy »

La St Valentin est une fête en générale assez controversée, souvent considéré comme commerciale (par moi y compris) beaucoup décide de ne pas la fêter ! Et d’ailleurs je vous avoue que je la fête rarement ! Cependant cette année j’ai décidé de la fêter (j’avoue mon coquin ma un peu motivée), pour l’occasion je vous ai préparé quelques petits conseils, pour pimenter votre St Valentin…

Que vous soyez en couples ou non rassurez-vous une vidéo sexy et coquine vous attend en bas de cet article, un petit lot de consolation ou si vous préféré un cadeau de st valentin.

Pimenter la soirée !

Pour cette st valentin, j’ai décidé de préparer une soirée très coquine (plus que les autres on va dire!) j’ai donc commandé « spécialement » pour cette occasion une belle robe sexy (noir ultra moulante et très courte) portée sans sous vêtement bien sur (car j’adore être nue sous mes robes!) et des petites chaussures façon « ballerine » noir pour allez avec tout ça ! Un maquillage façon « parisienne » des yeux nude rehaussé d’un trait de liner, les lèvres rouge ultra sexy et mes cheveux lissé comme il aime ! Sans oublier une touche de parfum le Guess Seductive une petite tuerie !

De son coté mon coquin me sort le grand jeu, costard cravate très pro et surtout très très sexy ! Sans oublier une touche de parfum car j’adore les parfums sur les hommes je trouve sa très excitant !

Nous sommes prêts pour cette soirée qui s’annonce torride !

Un repas aux bougies

Pour l’occasion je lui prépare sont plat préféré, des magrets de canard accompagné de spaghetti « Barilla » mes préférés ;), en dessert je nous fais plaisir avec un succulent Tiramissu au Nutella (pour les intéressés la recette sera dispo sur mon blog) un délice !

Petite ambiance intime, bougies parfumées un peu partout dans l’appartement, musique d’ambiance, repas en tête à tête, j’ai comme l’impression que la vue plongeante sur mon décolleté le rend déjà fou !

Passons aux choses sérieuses !

Après ce délicieux repas, je passe à l’attaque, je pousse la table basse, branche la musique à fond, et commence en douceur avec une belle chanson signé Beyonce « Dance For You », je lui indique que le canapé l’attend et je m’assoie face à lui… La musique commence, mon corps s’anime, je commence à bouger sensuellement sur cette chaise, je caresse mes cheveux, mes seins, mon ventre… Je me retourne pour lui faire profiter de mes fesses, penchée sur ma chaise je lui fais comprendre que je ne porte rien sous cette petite robe qui moule si bien mes fesses, je sens son regard sur moi sa m’excite je continue à bouger, je m’approche de lui lentement, danse contre lui, lui vole un baisser avant de m’enfuir continuer ma danse debout devant lui…

Déjà chaud bouillant je lui indique que je n’ai pas encore finit de « jouer » avec lui, je change de musique pour passer à des choses plus sérieuse je lance un bon « Candy Shop » de 50 Cent, le rythme m’entraîne, je commence à stripper comme une folle, je remue mes seins, mes fesses, je me caresse de partout, laisse tomber une bretelle, puis l’autre, j’exhibe mes tétons tout pointus devant lui, je les caresses les titilles et les approches de sa bouche, il saisit l’occasion sans hésiter et leurs donne un petit coup de langue avant que je reprenne mon strip endiablé !

Chaude comme la braise je m’assoie sur ses genoux et lui indique ou se trouve la fermeture de ma robe qu’il fait glisser en douceur… Je saisie ses mains et les pause sur mes seins brûlants d’excitations, je le laisse me caresser quelques instants avant de me relever et de commencer à la faire glisser le long de mon dos, mes fesses, mes jambes… Les fesses tendues devant lui je les écarte et les masses comme j’adore le faire, il en profite pour y mettre une fessée, le coquin ! Mais j’avoue j’adore sa ! Je me retourne et me pose sur lui, je l’embrasse fougueusement et commence à le déshabiller, je retire sa cravate, déboutonne sa chemise, lui lèche le corps…

Je descends du canapé et me glisse entres ses jambes….

Du plaisir, du plaisir rien que du plaisir !

Je sens que la chaleur et à sont comble, j’ouvre son pantalon et me saisie de son sexe tout dur… J’ai comme l’impression que mon petit strip tease la mis en transe ! Je commence à le lécher, il gémit de plaisir, j’avale son beau sexe et commence une fellation coquine… Il me stop au bout de quelques minutes bien trop exciter il me demande de m’asseoir sur le canapé et se place entres mes cuisses… Il commence à me lécher de haut en bas, les seins, le ventre, le sexe…

Surexcité je ne met pas longtemps à m’abandonner sous sa langue agile, il se saisit du gel lubrifiant posé sur le meuble à côtés de nous (oui on adore le gel, d’ailleurs je vous le conseil c’est génial pour des accros au sexe!), je lui en applique généreusement sur son sexe toujours aussi tendu, je m’allonge sur le bord du canapé, il se positionne à genoux juste devant le canapé, il commence à me prendre dans cette position, j’adore ça, je commence à gémir, il me caresses les seins puis il accélère le rythme pour me faire crier encore plus…

Après 10 bonnes minutes il décide de changer de position, « sur le coté » (une position délicieuse je vous la conseil!) et c’est reparti ! On décide encore de changer de position je mets mes jambes sur ses épaules pour qu’il puisse se lâcher totalement, ce qu’il fait d’ailleurs comme un pro ! Il ne nous faut pas longtemps pour nous abandonner dans un râle de plaisir !

Nous restons enlacée sur le canapé, à moitié dans les vapes, je crois même que l’on c’est endormi… (alala la jeunesse c’est plus ce que c’était) ! Nous nous glissons sous la douche histoire de nous réveillé un peu, une petite fringale nous prend du coup on se jette sur le fameux Tiramissu au Nutella (trop trop trop bon).

Pour finir en beauté !

Voilà un petit résumé de ma petite soirée de st valentin ! N’oubliez pas le principal reste de passer une bonne soirée avec la personne que l’on aime, cependant pensez aussi que les démonstrations d’amour se font tout les jours et pas seulement une fois par an !

Je vous laisse avec un petit strip tease coquin, profitez en bien et surtout passez une excellente St Valentin !

Almanegra-sexy.com

A l’occasion de la Saint Valentin, Almanegra, vous donne rendez-vous le 14 février 2012 en vidéo sur Eklecty-City.fr. Cette jeune étudiante en droit de 22 ans, vous donnera toutes les astuces pour passer une Saint Valentin coquine et en profitera également pour vous raconter sa Saint Valentin coquine…

Dead Heads est un nouveau film de zombie écrit et réalisé par Brett Pierce & Drew T. Pierce qui nous sert non pas de l’horreur mais de la pure comédie. Que vaut donc cet énième film de zombie ?

Deux zombies pourvus inexplicablement de conscience se rencontre lors d’un assaut de zombies contre une baraque et décident de prendre la route pour retrouver l’amour perdu que l’un d’entre eux a perdu. Sauf qu’ils ne savent pas que des agents d’une compagnie sans pitié les pourchassent.

Alors qu’on s’attendait à un nanard sans consistance, et disons clairement on ne s’attendait pas à grand chose, force est de constater que c’est une surprise ! Au lieu de voir un énième film de zombie filmé à la REC nous voici devant une comédie qui revisite le mythe du Zombie.
Là où Shaun of the Dead reprenait les codes du film de survie, Dead Heads prend carrément un contre pied en prenant le point de vue des zombies, sauf que ceux-ci ne sont pas (enfin pour la plus part) des cadavres crétins affamés de chairs, mais des types zombies bien paumés qui ont des sentiments et une conscience… bon ok, ils sont même dans la mort des crétins.

On peut dire que c’est enfin une nouvelle comédie tout aussi osé et délirante qu’un Shaun of The Dead bien que ce dernier reste un grand classique que Dead Heads n’égale pas même si il y a de bonnes idées.

Cette comédie a le don de faire évoluer enfin d’une autre manière, même si certains la trouveront bancale, la figure du zombie pour tenter de développer de nouvelles possibilités et caractères d’humains normaux pour les deux morts vivants du film. On avait déjà pu voir la tentative de communication et d’interaction entre les morts vivants et les vivants tout court avec le film Fido, bien glauque aussi mais moins réussi dans les effets comiques.

Le film joue sur tout les codes avec ces « deux anomalies » de zombies dotés de conscience complètement à côté de la plaque ! C’est du pur délire et du grand n’importe quoi ! Mais c’est une brillante idée en plus d’être très stupide ! Rien que ça ! De toute façon, vous saurez dès les dix premières minutes si vous adhérer à ce délire. A prendre donc en toute légèreté.

Vous allez passer un très bon moment que vous pouvez savourer entre potes ou même seul tellement le film est agréable surtout lors de sa première partie ! Bon on pourra reprocher ce côté histoire d’amour stupide et plombant même l’action et le délire avec un humour qui gravite quand même sous la ceinture et la scatologie, mais bon, c’est l’humour américain à outrance ici, on aime ou pas. Ne vous prenez pas la tête !

Un Road Movie Trip délirant qui change enfin tout ce qu’on peut voir depuis un certain temps sur les zombies ! A voir sans plus tarder si vous aimer les comédies et les zombies. Un film qui connaitra son public et ses fans. Peut être bien un film culte ? Je ne le pense pas mais rien ne vous empêche d’en débattre ensuite.

C’est le deuxième noël que nous passons ensemble, nous sommes heureux de vous faire partager les meilleures actualités du web et de partager avec vous nos passions du cinéma, des jeux et des autres médias qui composent notre riche culture et éclectique culture. Nous vous souhaitons une deuxième fois et toujours si chaleureusement un Joyeux Noël et une très belle année.

Aujourd’hui, un constat s’impose sur le cinéma en Outre-Atlantique où remake et reboot font partie du quotidien. Tout fan de cinéma qui se respecte s’est à un moment plaint de ce phénomène qui s’est imposé sur nos écrans depuis le début des années 2000, «Faire du neuf avec du vieux». En 2011, un film sur deux est un remake, un reboot, une suite… il est donc légitime pour tout cinéphile de se questionner : L’industrie Hollywoodienne ne manquerait-elle pas réellement d’’inspiration ?

Il y a tant à dire sur le sujet, que pour essayer d’y répondre nous dirigerons notre analyse sur deux périodes clés du cinéma américain. Nous nous intéresserons tout d’abord aux années 70, 80 et 90 définies comme «Les Trentes Glorieuses du Cinéma» là où tout a été créé et où les studios n’hésitaient pas à prendre quelques risques. Une période également marquée par son lot de remakes et de suites. Puis nous verrons comment ce phénomène est devenu partie intégrante du paysage cinématographique dans les années 2000, alors qu’il est tant décrié. Nous citerons plusieurs productions pour renforcer notre raisonnement en évitant de rentrer dans une liste indigeste de films.

Avant de rentrer dans le vif du sujet, quelques définitions :

Prequel, interquel, sequel, reboot, remake tous ces mots font partie de notre quotidien mais beaucoup d’entre nous ignorent leur signification exacte. En anglais, plusieurs mots-valises avec des préfixes d’ordre permettent d’indiquer dans le même mot la position de l’œuvre dans la chronologie de fiction par rapport à l’œuvre original. Nous qualifions donc des films sortie après l’original de :

Prequel : L’histoire se situe avant le film original à l’instar de Ring 0 par rapport à Ring

Interquel : L’histoire trouve sa place entre deux œuvres déjà existantes comme Shrek 3D entre le premier Shrek et Shrek 2.

Sequel : Il s’agit d’une suite directe comme Terminator 2 pour Terminator.

Là où cela se complique c’est avec le «remake» et le «reboot».

Le premier consiste à refaire quelque chose qui a déjà été fait auparavant et de l’actualiser aux codes actuels. Citons le film «Le Jour où la Terre s’arrêta», dans l’original de 1951, Klaatu, un extraterrestre, vient avertir les humains des dangers de la bombe atomique. Dans la version de 2008 avec Keanu Reeves, Klaatu vient alerter le monde sur ses mauvaises pratiques vis-à-vis de l’environnement.

Le reboot est également un remake sauf qu’il englobe plusieurs films. Il s’agit de recommencer à zéro une franchise entière, une mode qui s’applique actuellement aux films de super-héros.

Après une crise durant les années 60 (l’avènement de la télévision, faible prise de risque des studios), aux Etats-Unis naît le nouvel Hollywood, le cinéma n’est plus une affaire «artisanale», il s’intellectualise avec l’arrivée des nouveaux talents, qui sont pour la plupart d’anciens universitaires : Francis Ford Coppola, Martin Scorsesse, Brian De Palma, George Lucas, John Carpenter, James Cameron, Robert Zemeckis, Steven Spielberg… deviennent les nouveaux noms d’Hollywood avec des monuments du septième art comme Taxi Driver, Les Dents de la Mer ou Le Parrain. D’autres grands noms comme Alfred Hitchcock et Stanley Kubrick sont encore en activité, leurs œuvres sont pour la plupart des classiques de l’histoire du cinéma. La sortie de la crise est aussi marquée dès 1970 par la couleur qui représente 99% des productions, alors qu’en 1960, le cinéma couleur ne représentait que 9%.

Des années 70 à la fin des années 90, le cinéma américain a connu ses plus grands succès. De nouveaux genres cinématographies sont apparus, comme le Buddy Movie (L’Arme Fatale, Tango & Cash), ainsi que les premiers grands blockbusters, des classiques de science-fiction Terminator, Alien, Retour vers le Futur… des films qui encore aujourd’hui marquent les nouvelles générations.

Durant cette période, bien que les studios laissent les réalisateurs mettre en scène des projets originaux, elle est également marquée par un nombre incalculable de suites, de remakes et de relectures d’œuvres déjà existantes. Il y a des histoires et des mythes universels qui par leur universalité poussent au remake. Chaque époque à sa propre mentalité, sa propre vison des choses, il est intéressant de voir cela à l’écran. Prenons le classique de Brian De Palma, Scarface avec en tête d’affiche Al Pacino.Datant de 1983, le film de De Palma est en réalité un remake du film éponyme de Howard Hawk sorti en 1932, avec Paul Muni dans la peau de Tony Camonte immigré Italien arrivé à Chicago. Brian de Palma propose à l’époque une version moderne du célèbre gangster, qui devient Tony Montana un immigré cubain arrivé en Floride. Le film surpasse l’original et est aujourd’hui un classique du cinéma.

Les années 80-90 sont également marquées par une véritable avalanche de remakes américains de films français et étrangers, parfois pour le meilleur, souvent pour le pire. Les plus célèbres pour ne citer qu’eux, Godzilla (1998) remake du célèbre lézard japonais ; True Lies (1994) réalisé par James Cameron avec Arnold Schwarzenegger est une adaptation américaine du film français La Totale ! (1991) de Claude Zidi. Nous avons également L’Armée de Douze Singes de Terry Gilliam avec Bruce Willis et Brad Pitt, qui est à l’origine un court-métrage français de 1962 La Jetée.

En 1991 le réalisateur Jonathan Demme adapte le second tome de la tétralogie écrite par Thomas Harris, Le Silence des Agneaux,  et popularise avec l’acteur Anthony Hopkins le célèbre personnage d’Hannibal Lecter, brillant psychiatre cannibale. Il s’agit en réalité du deuxième long métrage mettant en scène le docteur Lecter, le réalisateur Michael Mann (habitué au polar, nous lui devons le cultissime Heat (1995) ou la rencontre de deux monstres sacrés du cinéma Robert De Niro et Al Pacino) avait porté à l’écran la première aventure du célèbre serial killer avec le film Le Sixième Sens, Brian Cox interprète le rôle titre et William L. Petersen (Gil Grissom dans la série Les Experts) sera l’agent fédéral William Graham. Anthony Hopkins reprendra deux fois son rôle pour Hannibal (2001) et Dragon Rouge (2002) qui se veut être un prequel au film Le Silence des Agneaux donc remake du film Le Sixième Sens. En 2006 Thomas Harris publie Hannibal Lecter : Les Origines du Mal, comme son nom l’indique il s’agit d’un prequel à Dragon Rouge, revenant sur la jeunesse d’Hannibal Lecter.
Le roman sera adapté un an plus tard au cinéma avec dans le rôle titre l’acteur français Gaspard Ulliel. Un personnage que l’on retrouvera prochainement à la télévision, puisque NBC et Gaumont International Television développent actuellement une série qui se concentrera sur les jeunes années du tueur cannibale et de sa confrontation avec l’agent du FBI, Will Graham. La série se placerait donc entre Hannibal Lecter : Les Origines du Mal et Dragon Rouge.
Pour anecdote, pour écrire son roman, Thomas Harris s’inspire de trois tueurs en série : Ted Bundy, Gary Heidnick et Ed Gein, le dernier inspire le personnage de Norman Bates dans Psychose (1960) un classique signé Alfred Hitchcock. Notons que Psychose connait une suite 22 ans après sa sortie, réalisée sous la houlette de Richard Franklin, quatre ans après Universal Pictures lance Psychose III, puis en 1990 un prequel intitulé Psychose IV sera diffusé sous la forme d’un téléfilm. Enfin en 1998, le classique d’Alfred Hitchcock fait l’objet d’un remake sous la direction de Gus Van Sant. Le réalisateur reprend l’original plan par plan. La seule différence majeure est l’ajout de la couleur.
Gus Van Sant respecte les erreurs commises par Hitchcock ou subtilité de l’auteur, comme le caméo du cinéaste en apparaissant à sa place.

Il y a aussi des nouvelles lectures de romans et pièces déjà adaptés au cinéma, Dracula, Romeo + Juliette, Hamlet… A l’aube de l’an 2000 la mode sera d’adapter au cinéma les séries télévisés à succès tel que Mission Impossible, Wild Wild West, Chapeau Melon et Botte de Cuir.

On s’aperçoit donc que ce phénomène «faire du neuf avec du vieux» fait partie du paysage cinématographique depuis des décennies. Pourquoi de nos jours ce procédé et tant décrié ? Nous allons essayer d’y répondre dans la partie suivante.

Puisque tous les thèmes ont été abordés sur grand écrans, il est rare de voir de nos jours, des projets réellement originaux, les remakes et les suites n’ont jamais été aussi présents. Certains diront qu’il s’agit de faire de l’argent facilement, mais dénoncer l’appétit du gain des studios serait trop simple. Nous l’avons vu précédemment, Hollywood à toujours été une industrie.

La démocratisation du cinéma, des téléviseurs, des moyens d’enregistrements, du câble du satellite et plus récemment internet font que l’on consomme énormément de film, cela s’applique également aux autres médias. Etant de grand consommateur, on en veut toujours plus, mais on souhaite revivre nos expériences passées… l’industrie du cinéma ne fait que répondre à une demande du public. Les jeunes, qui ne regarderont pas des films datant des années 70-80-90, car jugés vieillots, découvrent par le biais des remakes ce qui à fait vibrer leurs ainés, mêmes si le résultat final n’a rien à envier aux œuvres originales, les films rapportent au box-office pour deux raisons évidentes. Les plus jeunes iront voir ses nouvelles versions par curiosité alors que les moins jeunes d’entres nous, dont beaucoup désapprouvent ces suites et autres remakes, iront par nostalgie. Hollywood l’a bien compris.
Un exemple de reboot raté, le  personnage de Freddy créé en 1984 par Wes Craven, l’un des maîtres en matière de film d’horreur. Le film original a connu plusieurs suites, il c’est même vu décliné en série tv, avec pour seul interprète Robert Englund.  Sans le casting et l’équipe original, le remake de 2010 n’a marqué personne, mais a rapporté  62 millions de dollars au box-office américain et plus de 110 Millions à travers le monde. Ce genre de raté a au moins le mérite de pousser les plus réticents à découvrir les œuvres originales. Hollywood s’essaie aussi à l’adaptation des œuvres vidéo ludique mais s’arrange pour dénaturer les franchises à l’exception de Silent Hill. Encore une fois les films rapportent au box office.

Quentin Tarantino est un réalisateur qui a la cote auprès des jeunes, généralement par effet de mode et auprès des cinéphiles, car son talent n’est plus à démonter. Et son côté décalé et rebel plaît. Pourtant, personne n’ose discréditer le réalisateur lorsqu’il reprend tel quel plusieurs dialogues et certaines séquences d’autre films.  Reservoirs Dogs est un remake à demi-avoué du film hongkongais City on Fire de Ringo Lam (1987), le fait de donner des noms de couleurs aux protagonistes avait déjà été utilisé dans Les pirates du Métro.  Pour les scénarios de True Romance et de Pulp fiction, Tarantino n’hésite pas à reprendre plusieurs phrases du script et certaines séquences de Tuez Charley Varrick de Don Siegel. Gageons qu’il ne s’agit là que de simples hommages de sa part, mais il y aurait de quoi déconsidérer ses méthodes.

L’histoire des reboots, pour les films de super-héros et des franchises comme James Bond, est un peu plus complexe puisqu’ils sont nécessaires pour être au plus prés de notre réalité temporelle. L’engouement du public pour les super-héros s’opère aux débuts des années 2000 avec les adaptations de X-Men et de Spider-Man… Mais en 2005 un réalisateur lance une nouvelle mode, celui du reboot de film super-héros, qui revient sur les origines de ces derniers. L’un des nouveaux noms d’Hollywood Christopher Nolan, vu par certain comme le «digne successeur» de James Cameron, relance avec brio la saga Batman avec Batman Begins. Un reboot attendu et justifié. D’une part cela fait un moment que le chevalier noir est absent des écrans. Tim Burton avait porté sur les écrans les aventures de l’homme chauve-souris avec deux long-métrages dans les années 80, qui sont aujourd’hui des classiques. D’autre part, les films de Burton seront suivis de deux épisodes, au milieu des années 90, qui vont détruire par leur médiocrité l’intérêt des spectateurs pour le héros, le réalisateur, Joel Shumacher, déclare même que Batman et Robin est son pire long métrage. Nous lui devons tout de même l’efficace Phone Game.

Le succès public et critique de Batman Begins est dû au fait que l’on nous narre la jeunesse et les débuts du héros, pour la première fois Batman est tel qu’il est dépeint dans le comic, c’est-à-dire tourmenté et sombre. Un an plus tard c’est James Bond qui fait son come back avec Casino Royal. Daniel Craig succède à Pierce Brosnan pour le rôle titre. L’acteur campe un James Bond jeune et inexpérimenté, le film est acclamé par le public et la critique. Cela confirme aux studios que les spectateurs veulent des reboots plus sombres et matures, ce qui est la recette de Batman Begins et de Casino Royal. Le deuxième volet Batman, mettra tout le monde d’accord, The Dark Knight pousse les studios à mettre en chantier plusieurs reboots de super-héros avec un ton plus sombre, plus mature, entre autres un reboot de Superman est attendu pour 2013, et alors que le troisième volet est sorti en 2007, Spider-Man à droit à un reboot attendu pour 2012.

Malgré l’omniprésence des remakes et des suites sur nos écrans, des projets originaux arrivent à trouver leurs places, mais les sujets abordés ont déjà été portés à l’écran. C’est le cas de Inception, Christopher Nolan a élaboré son scénario pendant presque dix ans. A l’origine le film était conçu comme un film d’horreur avant d’être transformé en thriller. Le thème les rêves est un sujet déjà abordé à mainte reprise au cinéma (Dark City en 1998). Nolan déclare avoir été influencé par les expériences de rêve lucide que l’on peut avoir étant enfant, par l’œuvre de l’écrivain argentin Jorge Luis Borges, ainsi que par «cette époque où l’on avait des films comme The Matrix, comme Dark City, comme Passé virtuel et, dans une certaine mesure, aussi comme Memento. Ils étaient fondés sur le principe que le monde autour de nous pourrait ne pas être réel.»

Avatar également, l’œuvre de James Cameron qui a popularisé la 3D, pour le pire et le meilleur. Annoncé comme la plus grande « révolution » depuis le cinéma parlant, le film a demandé plus de 10 années de travail. Lors de sa sortie en salle le film explose  tous les records, les recettes montent à plus d’un milliard de dollars à travers le monde. La technique est bluffante, mais l’histoire reste simple avec un goût de déjà vu. Certains iront le comparer à Pocahontas : La découverte d’une nouvelle terre, l’histoire d’un colon rencontrant une population autochtone rebelle, puis adopte ses coutumes pour finalement se révolter à ses côtés contre la tyrannie de ses semblables. Cela nous confirme qu’il est difficile aujourd’hui d’avoir une œuvre originale. Certains y parviennent mais leurs films sont souvent gâchés car on cherche à faire du grand spectacle en empruntant des codes à certains classiques. Prenons l’exemple du film Time Out, le scénario où l’argent est remplacé par le temps est fascinant, mais la narration maladroite. Certaines critiques diront que «le récit se transforme en Fugitif meets Bonnie & Clyde».

Parmi les remakes et autre pseudo suites attendues nous avons entre autres Total Recall, nouvelle adaptation du roman « Souvenirs à Vendre » écrit en 1966 par Philip K. Dick, un second remake pour Scarface, pour coller aux codes actuels. Prometheus prochain film de Ridley Scott qui était annoncé au départ comme un film se déroulant dans le même univers qu’Alien (le réalisateur est à l’origine de la franchise), mais qui ne conduirait pas aux évènements de la saga. Le réalisateur confiait récemment que «les dernières 8 minutes de l’histoire de Prometheus évoluent vers l’histoire d’Alien». Le film se veut donc être un prequel de la franchise Alien. Et alors que The Dark Knight Rises, qui a reçu récemment le prix du «film le plus attendu de 2012» viendra conclure l’été prochain la trilogie Batman de Christopher Nolan, Warner Bros envisage d’ores et déjà un reboot pour le chevalier noir. Pour les plus nostalgiques, Titanic, chef d’œuvre de James Cameron datant de 1997, ressort en salle en 3D à l’occasion du 100e anniversaire du naufrage du paquebot, en avril 2012. Enfin, dans le rayon «remakes américains de films français», les frères Weinstein de la société de productions The Weinstein Company souhaitent obtenir les droits d’adaptation du dernier succès français Intouchables. Alors que certains critiques en Outre-Atlantique le considèrent comme un film raciste.

Bien que ces dix dernières années le phénomène «faire du neuf avec du vieux» a pris énormément d’ampleur, nous avons vu que les suites et les remakes ont toujours étaient présents dans l’industrie cinématographique, ils sont inévitables. Et même si certaines décisions sont discutables, Hollywood ne fait que répondre finalement à une attente du public. Il ne faut pas se leurrer, si les films ne faisaient pas d’entrés, le filon aurait été abandonné depuis longtemps. On ne peut que conseiller aux studios de bien choisir ses réalisateurs, car les ratés salissent les œuvres originales et peut être attendre quelques années de plus pour certains remakes. Ce phénomène s’applique aussi avec les séries où l’on veut nous faire passer des reboot pour des suites, citons Beverly Hills prochainement Dallas, dont les intrigues se situent de nos jours avec de nouveaux personnages principaux mais avec en guest l’apparition du casting original. Fort heureusement, nous avons encore quelques petites perles, même si une œuvre original, à proprement parlé, ne peut voir le jour puisque encore une fois, tout n’est que réécriture.

Une nouvelle fois les VGA 2011 nous ont régalé de trailer exclusif avec de bonnes et de mauvaises surprises pour les uns comme pour les autres bien que l’occasion soit aussi de récompenser les jeux qui ont fait cette année 2011 ! Quel jeux ont pu sortir leurs épingle de leur jeu a joué sur les émotions des gameurs ? C’est à découvrir :

Jeu de l’année : The Elder Scrolls V: Skyrim
Meilleur jeu d’action aventure : Batman: Arkham City
Meilleur jeu Xbox 360 : Batman: Arkham City
Meilleur adaptation en jeu vidéo : Batman: Arkham City
Meilleur jeu PS3 : Uncharted 3 : L’illusion de Drake
Meilleur graphisme : Uncharted 3: L’illusion de Drake
Meilleur jeu Wii : The Legend of Zelda: Skyward Sword
Meilleur jeu utilisant le mouvement : The Legend of Zelda: Skyward Sword
Meilleur jeu de combat : Mortal Kombat
Meilleur jeu indépendant : Minecraft
Meilleur jeu mobile/portable : Super Mario 3D Land
Meilleur chanson dans un jeu : Bastion
Meilleur bande originale : Bastion
Meilleur jeu téléchargeable : Bastion
Meilleur jeu de sport individuel : Fight Night Champion
Meilleur jeu PC : Portal 2
Meilleur jeu multijoueur : Portal 2
Meilleur DLC : Portal 2
Meilleur doublage homme : Portal 2
Meilleur doublage femme : Portal 2
Meilleur jeu de course : Forza Motorsport 4
Meilleur jeu de tir : Call of Duty: Modern Warfare 3
Personnage de l’année : Le Joker
Meilleur RPG : The Elder Scrolls V: Skyrim
Studio de l’année : Bethesda Game Studios

Cette nuit la cérémonie des Video Game Awards nous a dévoilée également les prochains titres de Kojima Productions et Platinum Games (Metal Gear Rising : Revengeance), Naughty Dog (The Last of Us), les nouvelles images de titres attendus comme Diablo III, Alan Wake’s American Nightmare, Mass Effect 3, Hitman…

Nous vous renvoyons à nos articles :

Metal Gear Solid : Rising devient Metal Gear Rising : Revengeance
Premier trailer pour The Last of Us
Hitman assassine en vidéo
Tony Hawk Pro Skater HD en vidéo
Batman : Arkham World teasé
Bioshock Infinite en vidéo
Premier trailer de « The Amazing Spider-Man »
Le prochain Alan Wake se montre en vidéo !
Une cinématique de Diablo III
Mass Effect 3 en Trailer

Mais aussi :

Tintin revient grâce à la magie de la technologie de la performance capture, le résultat du travail fait par Steven Spielberg sur l’œuvre de Hergé regroupant Le crabe aux pinces d’or, Le secret de la licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge. Quel a été le traitement sur cet héros européen est à lire dans notre critique

Que de plaisir de revoir Tintin resurgir de notre passé, Tintin héros de notre enfance qui n’a pas pris une ride dans un film qui remet au gout du jour ses aventures !

Le film est un festival d’aventure et d’action et le rythme y est effréné. Si l’action déjà présente dans les BD et dans les épisodes que nous connaissons, elle y est ici modernisée, que dire, accélérée et sublimée par une réalisation maitrisée par le maitre Spielberg.

Steven Spielberg s’est plus qu’amusé, il a véritablement pris son pied lui et ses scénaristes de choc : Steven Moffat (Doctor Who) Edgar Wright (Shaun of The Dead, Hot Fuzz) et Joe Cornish (Hot Fuzz) qui se permettent quelques libertés pour cette adaptation. Ce qui est frappant c’est le respect de l’œuvre, parsemée de nombreux clins d’œil à l’univers de Tintin et ses aventures mais aussi aux films de Spielberg qui, on vous rassure, ne s’arrête pas à Indiana Jones seulement !

Les personnages sont redécouverts, Tintin (Jamie Bell) est fidèle à lui-même, toujours aussi intrépide et curieux accompagné de son fidèle Milou, son sacré cabot sans peur, plein d’astuce et toujours aussi gourmand. Les Dupondt (Simon Pegg & Nick Frost) sont toujours aussi « ailleurs » et maladroit et le capitaine Haddock (Andy Serkis) livre ici des facettes de sa personnalités déjà présentes tout au long des aventures mais qui sont ici explicités. Il est toujours aussi porté sur la boisson, grand ressort comique et scénaristique de l’aventure, mais se révèle poète maudit maudit atteint de spleen, se battant avant son nouvel ami à la houppette contre son destin maudit. Il en volerait presque la place du héros du film.

Que dire de la performance capture à part ce que l’on sait déjà…. Il honore l’univers, le physique des créatures d’Hergé. Les personnages pourront rebuter le public plus âgé, émerveiller les plus jeunes, qu’importe l’esprit est là ! L’esprit, mais aussi la possibilité d’offrir un travail remarquable au niveau de la réalisation. Si Tintin devait avoir son équivalent en jeu vidéo ce serait à n’en pas douter Uncharted 2 et 3 tant les deux univers comportent des points communs niveau décors et actions. Des films comme Pirates des Caraibes sont même remis à leur place dans une des séquences de pirateries réalisés ici par Peter Jackson qu’il faut découvrir. On se régale en course poursuite et en séquence d’action et… d’infiltration. La caméra se balade et vole même sans pause à travers les décors, c’est éblouissant.

Un ravissement !! De l’action, de l’humour, une aventure épique et un film qui ravira petits et grands. Un grand film de Steven Spielberg, on en redemande !

Si point faible il y a dans ce film ce sont les acteurs qui sont complètement effacé laissant seulement place à leurs personnages, on ne vient pas pour voit Daniel Craig, ni Simon Pegg ou Nick Frost mais pour voir les personnages vivre des aventures dans ce film d’action/animation. Bon, est ce vraiment un défaut après tout me direz vous….

Note 10/10

Note exceptionnelle pour un travail superbe, pour un hommage à la BD et surtout pour avoir le mérite de nous replonger dans l’enfance, Spielberg et son équipe d’acteurs et de scénaristes nous ont fait vivre de grandes aventures. Allez vite voir ce film en salles !